2011: Quando la notte di Cristina Comencini

      uscita italia: 28 ottobre 2011  

“Due film al prezzo di uno”: potrebbe essere questa la frase di lancio del film.

Film che presenta più di un difetto e soprattutto l’accostare il difficile tema della maternità con una love-story inspiegabile (e banalmente resa). Le difficoltà di essere ‘madre’, per buona parte di Quando la notte, costituisce l’argomento portante (e non si può non lodare la regista per il coraggio e l’anticonformismo) ma all’improvviso si vira verso il racconto dell’amore tra i due protagonisti, dimenticando quasi il punto iniziale e lasciando gli spettatori piuttosto interdetti (“il tema di partenza sbiadisce e si affossa sotto il peso di un progressivo slittamento verso i canoni più abusati del melò strappalacrime” scrive giustamente Federico Gironi).

A guastare lo spettacolo contribuisce poi la scelta degli attori. Claudia Pandolfi non è in grado di sostenere il ruolo affidatole, ruolo particolarmente difficile e che comporta il dover sopportare il peso dell’intero film: presente in ogni scena, è bravina quando non parla ma inespressiva e monocorde nelle battute che pronuncia. Fabrizio Timi ha la faccia giusta per la sua parte, un orco che fa l’orco… peccato che è da tempo che ricopre lo stesso ruolo per cui ogni volta che appare sembra di rivedere i lavori finora interpretati (e senza una sfumatura diversa).

Inapropriata la colonna sonora (inspiegabilmente hitchcockiana), retorica e al limite dell’imbarazzo l’ultima sequenza.

Presentata al 68° Festival di Venezia, l’opera di Cristina Comencini è stata giudicata negativamente dalla stragrande maggioranza dei critici:

“…film che, dopo un avvio promettente, affonda in una progressiva serie di situazioni e battute che suonano come irreali, quando non involontariamente comiche” (MyMovies), “Ci sono film che prendono le mosse da temi che possono essere interessanti, ma che, magari dopo qualche primo buono spunto, finiscono vittime di loro stessi e dei canoni del cinema più scontato. Quando la notte è uno di questi” (Comingsoon), “…il film non funziona… Troppi sguardi truci? Un eccesso di silenzi che finisce per essere concettoso? Una dose over di sentenziosità?” (la Repubblica), “…una pellicola che intreccia drammi su drammi per dare in pasto a un certo pubblico femminile emozioni facili e che, quando la tensione costruita nella prima parte si dirada, finisce con lo sfociare nell’umorismo involontario” (Movieplayer), “…non si può negare che il film in questione, secondo italiano in concorso, non convinca. Per un problema, soprattutto: quello di non riuscire a far entrare lo spettatore in empatia coi suoi personaggi” (Il Corriere della Sera), “…un’occasione incredibilmente sprecata dalla regista, che non ha saputo dare il giusto spessore ai personaggi e il giusto pathos alla narrazione” (FilmUp).

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2010: Buried di Rodrigo Cortés

 uscita spagna: 18 settembre 2010     uscita usa: 24 settembre 2010     uscita italia: 15 ottobre 2010   

Una bella scommessa quella del regista spagnolo…

95 minuti che si svolgono interamente al chiuso di una bara è un’impresa che pochi avrebbero avuto il coraggio di affrontare. Rodrigo Cortés, regista in madrepatria pluripremiato, mostra un considerevole talento tecnico (1). Sa adoperare con notevole maestria la macchina da presa che spazia -perizia ammirevole- in un angusto spazio: “carrelli, primi e primissimi piani, pianisequenza e arditi zoom sia in avanti che (sorprendentemente) indietro” (Gabriele Niola).

Ma la scommessa non può definirsi vinta appieno. La situazione presentata è certamente quanto di più tragico si possa immaginare eppure il film non trasmette la dovuta angoscia. Naturalmente quanto accade non è tutto plausibile ma non è questo il problema. Il difetto è nella sceneggiatura che non riesce appieno a coinvolgere e ad emozionare -come ci si aspetterebbe- lo spettatore. Spettatore che rimane piuttosto fredddo dinanzi a quanto gli viene presentato: stenta a partecipare, ad immedesimarsi nel dramma di Ryan Reynolds, attore finora cimentatosi in ruoli completamente diversi da questo e che qui, va detto, se la cava egregiamente.

Claustrofobia, soffocamento… Buried non li trasmette e questo è una grave colpa in un’opera che invece dovrebbe puntare tutto su queste sensazioni. Opera che comunque merita d’essere vista, anche per il finale non banale e consolatorio, per la decisa polemica contro una burocrazia inossidabile, per “la denuncia dell’incomunicabilità nell’era della comunicazione istantanea” (Daniela Catelli), per l’implicita critica alla società americana («l’interrogatorio» del legale della compagnia presso cui il protagonista lavora è forse la cosa più allucinante dell’intero film).

p.s.

L’entusiasmo della critica è stato unanime:

“Alta tensione per un thriller che fa sembrare sempre diverso lo spazio angusto e limitato di una bara” (MyMovies), “Il film, tutto girato nella cassa quasi in tempo reale, è una vera sfida: ben riuscita, di gran tensione sino al colpo di scena finale” (La Stampa), “…malgrado l’unità di spazio il più ristretto mai visto al cinema e di tempo, la noia è l’ultima delle sensazioni che si provano” (la Repubblica), “In tempo quasi reale, senza psicologismi, il film è ben fatto” (L’Espresso), “Un ingegnoso thriller minimalista nel nome di Hitchcok, con un incredibile Ryan Reynolds costretto a tenere a freno i muscoli possenti” (Ciak), “Buried funziona benone” (Il Messaggero), “…converrete che: 1) Buried è il più suspensful film dell’anno; 2) che Ryan Reynolds è un signor attore e non solo il bambolotto delle commedie con Sandra Bullock; 3) che Rodrigo Cortes è la miglior giovane scoperta registica dell’anno” (Libero).

note

(1)     Non pochi critici hanno paragonato il virtuosismo registico di Rodrigo Cortés a quello dispiegato, a piene mani, dal Sidney Lumet di La parola ai giurati

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2011: Joadaeiye Nader az Simin di Asghar Farhadi

 uscita iran: 16 marzo 2011     uscita italia: 21 ottobre 2011     

E’ raro che un Festival attribuisca i maggiori premi (miglior film, migliori interpretazioni) allo stesso lavoro… e in questo caso mai scelta fu migliore.

Trionfatore a Berlino, Una separazione è distribuito in Italia in pochissime sale. Il consiglio è di non lasciarselo scappare. Chi ama il vero cinema, quello in grado di nutrire il nostro cervello e il nostro cuore, non dovrà assolutamente perderlo.

Una formidabile sceneggiatura, una regia sopraffina, uno stuolo di attori tutti in stato di grazia. Una trama che sarebbe tanto piaciuta ad Alfred Hitchcock. Un racconto che attanaglia la nostra attenzione dalla prima all’ultima sequenza. Senza un attimo di respiro ci procura una tensione e una emozione fortissima, coinvolgendoci come raramente accade.

Uno scontro tra persone ognuna con i propri torti che non puoi non biasimare, ognuna con le proprie ragioni che non puoi non condividere. Lo spettatore si immerge completamente nella vicenda parteggiando ora per l’uno ora per l’altro dei contendenti, in un contrasto che sembra non avere soluzione e che in ogni scena sorprendentemente si complica e si ingarbuglia.

Un formidabile ritratto di psicologie umane (apparentemente tanto diverse ma in ognuna delle quali è possibile ritrovarcisi), un formidabile ritratto di una civiltà che conosciamo poco (apparentemente tanto lontana da noi ma con le nostre stesse esigenze, i nostri sogni, i nostri bisogni, le nostre stesse difficoltà nello scegliere). Un inno alla forza e alla determinazione delle donne, al loro senso pratico, alla loro ragionevolezza… in un mondo che le ostacola e ne impedisce la giusta piena affermazione.

Asghar Farhadi, pluripremiato regista iraniano, al quinto film conferma il suo “grande spessore narrativo e ideologico” (MyMovies) e ci regala un’opera che è, al contempo, grandemente politica e profondamente umana.

Giusto entusiasmo da parte della critica tutta (1):

“Una storia universale, un ritratto sulla difficoltà di comunicazione fra persone che si amano, ma troppe volte non si ascoltano… Una storia semplice, ma non banale, che ha il pregio vero di nascondere una grande complessità, come la vita” (Comingsoon), “Una separazione riesce ad essere avvincente quasi come un thriller e intenso come un dramma, senza rinunciare ad un tocco di ironia” (Movieplayer), “…opera esemplare, dove il grande “cinema del privato” sa dialogare con un pubblico senza frontiere, pur rimanendo aderente a un hic et nunc socio-politico e civile dove libertà e diritti sono parole non pervenute” (Il Fatto Quotidiano), “Il film è un mulinello emozionale veloce, implacabile” (Cinematografo.it), “Non aspettatevi il solito film iraniano lento e maestoso alla Kiarostami. Non aspettatevi nemmeno un film etnico sul chador, gli imam ecc. ecc. Una Separazione ha sì le sue radici a Teheran, ma è una storia universale” (Luigi Locatelli), “Un film straordinario” (la Repubbica), “Bellissimo… un trionfo” (Il Messaggero), “Il film di Farhadi è un capolavoro” (Il Corriere della Sera), “…un film di grande umanità, di mirabile scrittura e quindi di altissima godibilità” (L’Unità).

note

(1)     Scrive Luigi Locatelli: “I giudizi positivi e perfino entusiasti non si contano più, il sito Rotten Tomatoes, che fa la media delle valutazioni dei critici nordamericani, gli assegna un indice di gradimento del 100%. Vuol dire che è piaciuto a tutti e 26 i critici interpellati. Se non è record poco ci manca”.

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 uscita usa: 3 giugno 1987

Newsweek lo ha definito “Il miglior mafia movie dai tempi de Il Padrino”: come non concordare?

Ennio Morricone alle musiche, David Mamet alla sceneggiatura, Giorgio Armani ai costumi… e in più un cast da capogiro (e in stato di grazia) al servizio di un grande regista: quale migliore garanzia per un prodotto nettamente superiore alla media e che, caso non sovente, ha unito pubblico e critica nel giudicarlo un gioiello e decretandone un successo stratosferico presso le platee di tutto il mondo.

Una ambientazione estremamente raffinata e una fotografia di smagliante bellezza costituiscono altri fattori di non poco conto nel rendere Gli intoccabili un film difficile da dimenticare: 119 minuti che scorrono in un batter d’occhio, senza rallentamenti e pause digressive, 119 minuti di grande tensione in cui la compartecipazione dello spettatore è totale, emozionandolo e coinvolgendolo al massimo: “un film avvincente in ogni fotogramma -scrive il Davinotti- che ci inchioda alla poltrona senza mai darci tregua”.

Più di una scena rasenta il capolavoro puro (De Niro che uccide con la mazza, l’irruzione dei gangster nella casa di Connery, lo scontro nella stazione…) contribuendo a fare di Brian De Palma non solo un riconosciuto maestro della suspense e del virtuosismo registico ma un artista completo dalla maestria unica.

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     uscita italia: 24 febbraio 2006     uscita usa: 23 novembre 2005  

Il film si ispira al libro “La disfatta della Cia”, quasi una autobiografia dell’ex agente Robert Baer impegnato per vario tempo nella lotta al terrorismo.

Stephen Gaghan, al debutto dietro la macchina da presa, ha realizzato un’opera (simile a Traffic per la sua tecnica a puzzle, per la sua struttura a trame parallele) coraggiosa, dura, molto complessa, parlatissima, non sempre facile da seguire e in cui non tutto è chiaro al massimo (1).

Ma questi ultimi aspetti non invalidano il risultato finale e l’abilità del regista di creare un costante clima di ansia e paranoia: un film che è un dovere vedere per rendersi conto in che mani siamo e quanto poco conti ognuno di noi, strumentalizzati, pilotati… burattini guidati da burattinai intoccabili, visibili e invisibili.

Si esce dalla visione con l’amaro in bocca e il desiderio di chiudersi in se stessi e nei propri affetti, persuasi della vanità di ogni personale impegno sociale civile politico (2).

Lanciato in sole cinque cinema tra New York Los Angeles e Toronto, nel primo week end di programmazione Syriana sorprendentemente ha conquistato il miglior risultato dell’anno per sala e ha entusiasmato il “New York Times” e il “Washington Post” (segno che c’è qualche speranza?).

Raramente si è visto sul grande schermo un ritratto così angosciante e agghiacciante della condizione di perenne conflitto determinata da interessi economico-politici che affligge ormai da tanto tempo il nostro mondo (illuminanti le frasi “Gli americani sono sempre felici di trivellare in altri paesi”, “La corruzione è una forma di regolamentazione del mercato. La corruzione è ciò che ci protegge. E’ ciò che ci tiene al caldo e al sicuro. E’ ciò che permette a me e a te di camminare a testa alta, anziché lottare per un pezzo di pane in mezzo alla strada. La corruzione… è il motivo per cui vinciamo!”).

Un film senza eroi né vie di uscita e in cui lo stretto legame tra terrorismo internazionale politica estera americana e industrie petrolifere, è mostrato senza veli né ipocrisia.

“La tesi più terribile del film è che ognuno sembra avere le proprie valide ragioni, argomentabili, inattaccabili: gli USA, gli arabi, le compagnie petrolifere, il ragazzino che lavora nei campi petroliferi… Gaghan non dà soluzioni e il finale, a cui si arriva dopo 126 minuti, è agghiacciante. Una schermata bianca, di nulla assoluto, precede i titoli di coda” (3). “Un finale agghiacciante in cui assistiamo a una chiaro parallelismo, che contiene implicitamente un giudizio morale violentissimo, tra due diverse forme di terrorismo non poi così diverse tra loro, se non fosse che una è sancita da un sacrificio in prima persona e l’altra da una stretta di mano in una stanza dei bottoni” (4).

Un affresco desolante che vede la partecipazione di tanti illustri attori, tutti bravissimi e tutti da lodare nella loro evidente disposizione a non primeggiare.

note

(1) Il critico Michael Travers giustamente ha detto: “Veniamo a conoscenza dei personaggi senza avere a disposizione alcun contesto in cui identificarli: manca lo spazio per approfondirne caratteri psicologici e motivazioni, mentre i dialoghi sono saturi di informazioni che ci investono senza lasciarci il tempo di riflettere”.

(2) “Mai ci siamo sentiti così poco importanti, pedine inutilizzate su una scacchiera in cui il gioco è già stabilito” (Donata Ferrario).

(3) Donata Ferrario

(4) Marcello Paolillo

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2011: This Must Be the Place di Paolo Sorrentino

 uscita italia: 14 ottobre 2011     uscita francia (cannes): 20 maggio 2011

“…il film più sbalorditivo di Cannes 2011”, scrive Curzio Maltese. Nel bene e nel male.

E’ indubbio che Paolo Sorrentino ci ha viziato. Ogni suo film (uno diversissimo dall’altro) è stato giustamente salutato come un piccolo gioiello, una boccata d’aria pura nell’atmosfera più o meno asfittica del nostro cinema. Grande è quindi l’attesa per ogni suo lavoro, grandi le aspettative.

Anche questa volta Sorrentino non ha deluso ma…

“Cheyenne, rock star ormai ritirato dalle scene, parte alla ricerca del persecutore di suo padre, un ex criminale nazista ora nascosto negli Stati Uniti. Nel cuore dell’America, inizia così il viaggio che cambierà la sua vita. Dovrà decidere se sta cercando redenzione o vendetta”. Così è presentata ufficialmente la trama di This must be the place ma questo tema inizia dopo più di trenta minuti generando nel pubblico non poche perplessità.

This must be the place all’inizio incuriosisce ma ben presto lascia alquanto interdetto lo spettatore che non riesce bene a decifrare quanto accade, e perché accade, sullo schermo. Situazioni non del tutto comprensibili e personaggi di cui non si comprende appieno la presenza non facilitano il nostro coinvolgimento anche se è impossibile non rimanere affascinati dallo splendore visivo del film e dall’eccezionale performance di un intero cast in stato di grazia.

Il recupero di un rapporto col padre, il motivo dell’Olocausto, il cammino di crescita del protagonista… tutto è diluito in uno stuolo di immagini e sequenze che ci mostrano l’ex rock star dialogare e interagine con molteplici personaggi (amici, familiari, incontri casuali…), oscillando tra la saggezza e il paradosso, tra il banale e l’inquietante, tra il malinconico e l’infantile. Ogni singola sequenza è magnifica e rivela in pieno il talento di un grande regista… ma tutto l’insieme a volte sembra non funzionare appieno e potrebbe generare un senso di irritazione o di noia in uno spettatore non pienamente convinto di quanto gli viene mostrato.

Dire che Sean Penn è bravo è dire poco. Una interpretazione sbalorditiva la sua, una performance che sicuramente rimarrà negli annali. Probabilmente negli States il film incasserà pochi centesimi ma se l’Academy non premierà questo mostro di talento sarà uno dei suoi più grandi errori.

Contrastanti le accoglenze della critica: “Sean Penn è straordinario nel disegnare, ancorandolo alla realtà, un personaggio che potrebbe ad ogni inquadratura dissolversi nel grottesco o nella caricatura” (MyMovies), “L’America vista da Sorrentino: una sequela di facili curiosità che colpirebbero l’attenzione di un europeo medio in gita turistica” (Badtaste.it), “Paolo Sorrentino sceglie di rischiare. Invece di ripetere in altra forma Il divo, sfruttandone il successo, gira una storia difficile e ambiziosa” (L’Espresso), “…l’anima di This must be the place è grandiosa, un vero squarcio sul cinema del futuro” (la Repubblica), “Non il suo film migliore, ma il più intelligente per l’export. Intimo e universale, lirico e introverso, si guadagna un posto al sole nel cinema che conta” (Il Fatto Quotidiano), “Mai come in questo caso abbiamo di fronte un profluvio di immagini: carrellate, panoramiche e dolly a ripetizione. Il rischio però è quello di porre la storia al servizio dell’estetica e non viceversa. Ed è proprio ciò che avviene in This must be the place: un film che scalda la vista ma non il cuore” (Il Riformista), “Paolo Sorrentino fa il film più profondo del Festival” (Il Giornale), “Stravagante, esilarante, commovente, questo primo film in lingua inglese di Sorrentino è un viaggio mozzafiato e al contempo intimista, interpretato da uno Sean Penn nella sua migliore performance” (Variety), “L’eccentrica performance di Sean Penn è il punto di forza di un film che sbanda un po’…” (Hollywood Reporter), “Il suo primo film in lingua inglese è superbamente elegante… Non è il film di Sorrentino che preferisco però…” (The Guardian).

p.s.

Inspiegabilmente l’edizione che circola nei nostri schermi presenta il taglio di alcune interessanti scene viste a Cannes

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 uscita usa: 16 agosto 1996     uscita italia: 4 ottobre 1996   

Dal romanzo “L’Idolo” di Peter Abrahams, un film dal sicuro impatto visivo e dal ritmo oltremodo frenetico (come sempre in Tony Scott).

Non tutto funziona come dovrebbe (stile un po’ troppo tendente al roboante, improbabile il finale, non verosimili alcune situazioni, eccessivo l’utilizzo della colonna sonora…) ma The Fan è sicuramente un film interessante che merita d’essere visto.

“Due, e complementari, i temi principali: l’analisi psico-sociologica del fanatismo sportivo, moderna forma dell’idolatria; il patologico bisogno di passare un quarto d’ora sotto i riflettori della pubblicità televisiva” (il Morandini). In primo piano è la follia. La follia di un uomo solo, fallito nel lavoro e negli affetti (come non pensare alla crisi del cittadino medio americano splendidamente illustrata da Un giorno di ordinaria follia con Michael Douglas?).

Un uomo, scrive Matteo Pacini, “testardo, ostinato e dalla socializzazione complicata. Ha, soprattutto ha avuto, alcuni rapporti importanti (moglie e figlio in questo caso), ma è spigoloso. Non accetta compromessi, critica anche quando dovrebbe stare al suo posto, con i superiori, non tollera critiche, pretende sostanzialmente di poter sgarrare nel piccolo e di essere rispettato nel quotidiano, perché ritiene di essere un uomo integro, moralmente schietto, capace anche di slanci generosi per chi se lo merita”.

Un personaggio poliedrico e dalla mille sfaccettature che solo un grande interprete poteva affrontare: “Bob De Niro si cala nel personaggio (cosa non nuova per lui), nelle sue frenesie e nelle insicurezze, nella sua dolente mediocrità, e lo fa talmente bene che chi lo vede inizia a capire il protagonista, a capire le sue scelte, i suoi eccessi, pur condannandolo moralmente senza appello. Quegli sguardi sfuggenti, quegli impeti d’ira improvvisi (sottolineati alla grande dalla colonna sonora), quella rabbia del perdente fanno del mitico Gil Renard un eroe nero. Un essere da disprezzare, eppure capace di affascinare morbosamente lo spettatore nel crescendo della sua lucida follia” (Davide Napoli).

Bellissimo il monologo-filastrocca recitato inizialmente da De Niro mentre sullo schermo si susseguono immagini in bianco e nero di vita vissuta del protagonista (1), un individuo frustrato dalla vita che arriva a non controllare più la propria indole aggressiva.

note

(1)     Attendo con ansia, emozione / Poi applaudo e mi sbraccio per la mia formazione
E’ la prima giornata e la mia fedeltà / E’ premiata da un senso di gran voluttà
Ritorna il mio eroe ed illumina il giorno / Dei miei guai per un po’ si sfuma il contorno
Egli è grazia, armonia, che esalta lo stadio / E riporta i miei giorni all’orgoglio primario
Sono un fan che del baseball coglie ogni finezza / Io giocavo, capìte, e sarei ancora all’altezza
Una volta ho battuto una palla alle stelle / Fui portato in trionfo, non stavo più nella pelle
Si gelò dentro il sangue e questa passione l’ho trasmessa a mio figlio
Futuro campione / Certo, lui è piccolino ed ancora maldestro
Ma lasciatemi il tempo e sarò un buon maestro / Con un pò di fortuna, ci sono ad un passo
Sistemo le cose e poi mi rilasso / Aiuterò la mia squadra a riavere la gloria
Con un tocco imprevisto alla solita storia / Dice oggi l’atleta: “Io gioco per me”
Ci sto male a sentirlo e mi chiedo: “Perchè?”
Non è il fan, il tifoso che paga il biglietto / A far ricco e famoso il suo prediletto
Se gli parlo, lui sente, ma, in realtà, non mi ascolta / Mi dimostra freddezza per l’ennesima volta
E’ attaccato al denaro in modo inaudito
No, così non va bene, io rivoglio il mio mito!

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 uscita usa: 8 ottobre 1998   

Film insolito nel panorama di uno dei più grandi autori del cinema contemporaneo.

In apparenza Beloved è diversissimo dai celebri Il silenzio degli innocenti, Qualcosa di travolgente, Una vedova allegra ma non troppo, The Manchurian Candidate, Rachel sta per sposarsi, Philadelphia. Ma il tema di fondo è sempre lo stesso. Decisa denuncia di un’America democratizzata solo in superficie, un’America contraddittoria ed ipocrita, spesso crudele e perversa.

Tratto da “Amatissima” (Frassinelli), il romanzo Premio Pulitzer di Toni Morrison (insignita nel ’93 del Nobel per la Letteratura), Beloved ha una inusuale lunghezza.

172 minuti duri intensi inquietanti, 172 minuti che non stancano mai nel raccontare, tra il surreale e il metafisico, la storia di una emancipazione, di una donna (1) -novella Medea- che fugge da un passato che assolutamente non vuole che intacchi i suoi figli.

Impreziosito dalla straordinaria fotografia di Tak Fujimoto e da uno stuolo di attori tutti in stato di grazia, Beloved è un film, complesso e visionario, di grande spessore narrativo, un film che non lascia indifferenti e che colpevolmente i distributori italiani hanno ignorato.

Trascurato o quasi alla sua uscita, il film è ora acclamatissimo dai critici più sensibili:  “Questo regista bianco, come pochissimi altri sa raccontare la natura più autentica della cultura americana” (Sentieriselvaggi), “Da prendere in considerazione se volete confrontarvi con qualcosa di particolarmente intenso” (MyMovies), “Grande intensità metaforica della scrittura filmica di Demme, …direzione degli attori straordinamente efficace” (Cinemafrica.org), “…come non dare ragione a Demme, che è un autore ancora convinto che gli argomenti scomodi e controversi ci siano e vadano stanati?” (Myword.it), “Una gemma misconosciuta” (Giulio Ragni).

p.s.

Plauso particolare a Oprah Winfrey che ha prodotto e interpretato Beloved. Una delle donne più potenti d’America, massima star nel campo del giornalismo televisivo, si è messa completamente al servizio del film

note

(1)     Il personaggio è ispirato a Margaret Garner e alla sua tragica vicenda

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 uscita italia: 14 settembre 2007   

Un film che fa onore al cinema italiano.

“Molaioli stupisce piacevolmente con questo noir di razza purissima… grazie a un gruppo di attori eccelsi e affiatati, il regista è delicato e implacabile nel dipingere un ritratto di umanità dolente, debole, soffocata, incapace di affrontare la diversità” (Rolling Stone), “Un film sull’Italia di oggi che indaga sul dolore e sulle dinamiche eterne dei rapporti umani” (MyMovies), “…esalta quelle atmosfere, quell’orrore dietro la monotonia, che sono stati propri di grandi letterati del mistero: da Simenon a Durrenmatt. Formidabile Toni Servillo” (la Repubblica), “…uno splendido noir sociologico” (L’Unità), “Un film orgogliosamente d’autore… Acuto, dolente, osservatore” (Il Giornale), “Toni Servillo da applausi” (Il Corriere della Sera).

Il quarantenne Andrea Molaioli (finora assistente di Nanni Moretti, Carlo Mazzacurati e Daniele Lucchetti) esordisce come regista con un’opera che è da ritenersi un piccolo gioiello.

Tratto dal romanzo di Karin Fossum (Don’t look back, in italiano Lo sguardo di uno sconosciuto), il film trasferisce la vicenda dalla fredda Norvegia alla provincia di Udine con il lago di Fusine sullo sfondo… e l’ambientazione aumenta non di poco il fascino di questo lavoro che è da considerarsi, dopo Un maledetto imbroglio di Pietro Germi, il miglior prodotto italiano nel campo del thriller.

Ma non siamo di fronte a un semplice giallo.

Ciò che interessa al regista è la riflessione critica dell’apparente normalità della provincia, l’amara fotografia di personaggi che hanno una qualche mancanza, tutti ugualmente colpevoli e innocenti. Molaioli sembra dire che chiunque di noi, se indagato, rivela lati oscuri, contraddizioni, ambiguità… storie di dolore con cui si tenta di convivere.

Grande successo al 64° Festival di Venezia, La ragazza del lago è un’opera secca e asciutta al massimo, con pochissima azione e moltissima psicologia.

Niente sparatorie, niente sangue, nessuna violenza visibile… ma totale è il coinvolgimento dello spettatore.

Il cast è perfetto, tutti offrono una prestazione di livello superiore. Immensamente bravo Toni Servillo, giustamente pluripremiato.

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 uscita usa: 30 settembre 2005     uscita italia: 16 dicembre 2005  

Tratto dalla graphic novel di John Wagner e Vince Locke e presentato al 58° Festival di Cannes, un film giustamente pluripremiato.

L’America ha la violenza nel Dna, guarirne è forse impossibile? La violenza viene fuori dall’impossibilità di vivere la realtà che vorremmo? E’ possibile essere normali in un mondo impazzito?

Il film pone molte domande, lasciando le risposte in sospeso, aperte alle interpretazioni dello spettatore.

Il finale fa discutere. Nulla sarà più come prima. O forse sì. Tutto sembra ricomporsi come se nulla fosse. Trionfo della falsità e ipocrisia? Affermazione che ogni tipo di violenza (sessuale, scolastica, mentale, fisica…) è giustificata se il fine la richiede?

Quello che è certo è che David Cronenberg si conferma maestro di un cinema angoscioso e disturbante, un cinema che ha sempre aperto la porta a inquietudini e imbarazzi.
E si conferma ottimo direttore di attori, qui tutti perfetti e bravissimi (ma la palma va ai due veterani Ed Harris e William Hurt, veramente straordinari).

Giusto l’entusiasmo della critica: “Intelligente, spietatamente lucido” (la Repubblica), “Un film da non perdere” (Il Corriere della Sera), “Grande Cronenberg” (Il Messaggero), “Un film agghiacciante e di un attualità sconvolgente” (Filmfilm.it), “Solido, rapido ed essenziale nello stile, sottile e complesso nei contenuti” (Ciak), “Una purezza narrativa realmente poco comune” (Liberation), “Un film diretto con supremo controllo” (New York Times), “Un film notevolissimo” (L’Unità).

p.s.
il film ha forse il difetto che il messaggio (condanna della violenza) non risulti chiaro a tutti gli spettatori: il cinema americano tradizionalmente è molto esplicito nelle tesi che vuole dimostrare, qui avviene il contrario.

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2011: Io sono Li di Andrea Segre

 uscita italia: 23 settembre 2011  

Un piccolo grande film.

“Il più sensibile, originale, commovente film italiano di Venezia” scrive giustamente Il Corriere della Sera.

Io sono Li è il primo lungometraggio di un valente autore di documentari pluripremiati. Al suo debutto Andrea Segre mostra una sorprendente bravura (come regista e sceneggiatore) sia nel raccontare storie personali sia nel ritrarre ambienti e riportarne le giuste atmosfere. Io sono Li è al contempo una acuta analisi di psicologie umane, un veritiero quadro di provincia, una decisa denuncia del bigottismo e delle diffidenze che troppo spesso rovinano le nostre vite. Aiutato da uno splendido complesso di attori e da un talentuoso cast tecnico (fotografia e colonna sonora sono da encomio), Segre ci offre uno dei più sensibili e delicati film degli ultimi anni che chi ama il «vero» cinema non dovrebbe perdere. Un’opera che convince e coinvolge come poche, coraggiosamente e opportunamente non doppiata (i dialoghi sono in cinese e in stretto dialetto veneto)… il che contribuisce non poco a dare verità e sincerità al tutto.

Intimismo e ironia miracolosamente fusi in un lavoro sottile e poetico (“una fiaba dolce amara”, Il Manifesto), scarno ed essenziale, giustamente lento nel ritmo e nello svolgere uno dei temi più attuali del nostro tempo (l’incontro-scontro multietnico), attualità troppo spesso colpevolmente ignorata dalla nostra cinematografia.

Oscillante tra pessimismo e ottimismo (“Segre dimostra di credere all’amore e all’amicizia ma ne racconta la triste inutilità prima ancora del fallimento” scrive Alessandro Ballini), Io sono Li rimarrà a lungo nei nostri ricordi più piacevoli del grande schermo.

“Andate a vederlo prima che lo smontino dalle sale”: faccio mio l’appello de Il Riformista.

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 uscita usa: 30 luglio 2004     uscita italia: 29 ottobre 2004 

Un film molto particolare, un film che ha fatto molto discutere…

La critica si è divisa:

“Thriller suggestivo e ben girato che conferma la capacità del regista di stupire” (MyMovies), “…il film tocca il livello alto della parabola, mille leghe avanti alla gran parte dei thriller orrorifici in circolazione” (la Repubblica), “Il film è velleitario e prolisso, anche per chi conosce i ritmi mai frenetici del regista d’origine indiana” (Il Giornale), “Gli spettatori vengono immersi in grovigli di simboli, il thriller può suscitare molte interpretazioni, l’incubo di un passato terribile si scioglie soltanto alla fine” (La Stampa),  “The Village ha il fascino delle più cupe favole gotiche (Libero), “Alcuni elementi della formula Shyamalan mostrano la corda, con il risultato di trasformare il film in un qualcosa di formalmente impeccabile ma di eccessivamente rarefatto nella descrizione delle atmosfere e degli stati d’animo dei protagonisti” (Movieplayer), “E’ l’opera definitiva, una conferma che Shyamalan è una costante affidabile del cinema americano” (35MM), “Notevole la capacità di instillare un senso di inquietudine nello spettatore senza mai mostrare nulla” (FilmUp).

Alcuni spettatori non hanno nascosto la loro delusione ma la colpa (da tutti riconosciuta) è del trailer di presentazione e della pubblicità che hanno fatto credere d’essere alla presenza di un’opera costituita da un mix di horror e di thriller. The Village è qualcosa di ben diverso. Certo la suspense e le sorprese non mancano ma queste non costituiscono l’essenza del film. Chi da M. Night Shyamalan pretende storie di mostri e di invasioni extraterrestri, farà bene ad evitarne la visione.

The Village è un film originale e intrigante che ha il merito di trattare temi apparentemente semplici ma in realtà molto complessi e che ci pone più di un interrogativo. Una intelligente metafora della nostra società in cui chi detiene la conoscenza domina incontrastato su chi è avvolto dall’ignoranza, una società in cui è forte la tendenza a chiudersi in se stessi allontanando chi è diverso (diverso foriero di ogni male) e con il lodevole doppio messaggio che non vale la pena abolire la libertà per timori che spesso si rivelano infondati e che l’essere umano non può isolarsi avendo tutti bisogno l’uno dell’altro.

L’ambientazione particolarmente suggestiva, la fotografia più che splendida, la colonna sonora del tutto funzionale, il cast ricco e prestigioso contribuiscono a fare di The Village un’opera al di sopra della media, da vedere e ricordare.

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 uscita usa: 26 maggio 1954  

Ammiratissimo da François Truffaut, Martin Scorsese, Wim Wenders, Jean-Luc Godard… un film che è entrato di diritto nella storia del cinema.

Tratto dall’omonimo romanzo di Roy Chanslor, Johnny Guitar (che molti critici preferiscono non qualificare «western» ma piuttosto un «dramma dalle tinte noir») “non è un film, è il cinema. È cinema allo stato puro. Nient’altro che il cinema. Scrisse Godard: “Ecco qualcosa che esiste solo attraverso il cinema, ecco qualco­sa che sarebbe nullo in un romanzo, sul palcoscenico, in qualsia­si altro posto, ma che sullo schermo diventa fantasticamente bello”. Insomma siamo di fronte a quei film che fanno amare il cinema, e cioè la vita. Che ti fanno venir voglia di vederlo e rivederlo, proprio come la persona amata. Che ad ogni visione ti fanno scoprire aspetti nuovi, elementi che prima avevi trascura­to, nuovi motivi per amare. Ci sono dei film che aiutano a vivere meglio, ad amare meglio. A vedere meglio. Questo è il regalo che Nicholas Ray e la sua troupe ci hanno fatto nel 1954” (SentieriSelvaggi).

Un film che ha fatto epoca e per più di un motivo (1). Non solo per la celeberrima canzone del titolo (scritta da Victor Young e Peggy Lee e interpretata dalla stessa Peggy Lee) e il bellissimo uso del colore dal valore altamente simbolico (2), ma soprattutto per il carattere sovversivo delle regole del western. Un western in cui a primeggiare fossero le figure femminili non si era mai visto (e mai si vedrà…). Un inno alla tolleranza, al diritto di effettuare libere scelte, all’amore incondizionato, alla forza delle donne… Quando mai si era realizzato un western che privilegiasse questi temi?

Straordinaria come non mai una delle più celebri e celebrate dive della Hollywood classica, una Joan Crawford “irripetibile, autrice di un’interpretazione letteralmente sconvolgente, in cui il vigoroso lavoro di mimica e tensione recitativa arrivano a minare anche le dinamiche della macchina da presa. La sua performance è talmente accentata da coprire quasi tutto…” (Antonello Comunale).

Un film giustamente celebratissimo ancora oggi dalla critica:

“Giudicato troppo eccentrico ed eccessivo quando uscì, è tenuto oggi per un capolavoro di lirismo barocco e di graffiante parodia sul maccartismo, la  «caccia alle streghe» comuniste, e sul puritanesimo repressivo” (il Morandini), “Un western molto importante perché capovolse numerosi cliché del genere. Famosissimo il tema musicale” (il Farinotti), “Intellettuale e complesso, torbido e cupo come una tragedia greca, segnato in profondità dall’interpretazione manierata di tutti i protagonisti e straziante nel suo disperato romanticismo” (Cinzia Ricci), “Johnny Guitar brucia di passione e di un irrefrenabile amore per il cinema: ancora oggi conserva intatte tutte le qualità della poetica di questo piccolo gigante della settima arte, che risponde al nome di Nicholas Ray… Un’opera che ha più le caratteristiche di un dramma elisabettiano, che non quelle di un classico film sulla frontiera” (Sentireascoltare.com).

p.s.

Nel 2008 Johnny Guitar è stato scelto per essere preservato nel National Film Registry della Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti.

note

(1)     Dove fu girato, Sedona in Arizona, c’è un museo dedicato a questo film.

(2)     “La fotografia del film è caratterizzata da colori intensi e particolarmente saturi, soprattutto il rosso e il nero. Questo dipende dal procedimento tecnico allora usato per lo sviluppo della pellicola: il film fu girato in Tru-color, un brevetto della Republic Pictures, casa produttrice del film. Nel 1954 infatti non era ancora stato standardizzato il processo di stampa (che verrà poi brevettato dalla Eastman Kodak) e ogni società produttrice si serviva di una propria tecnica. Il regista Nicholas Ray si servì comunque di questa particolare gamma di colori come di una cifra stilistica, che gli permetteva di accentuare i contrasti psicologici e di connotare drammaticamente determinate scene, come ad esempio quella in cui Vienna indossa un vestito bianco e si staglia contro uno sfondo di rocce rossastre. Per evitare la dominante blu tipica del Tru-color, ad esempio, Ray volle che nelle scene non venisse inserito nessun elemento di colore blu ed evitò il più possibile l’utilizzo dei fondali all’interno dei teatri di posa, girando tutte le scene all’aperto in veri esterni” (Ciak, anno IV n° 4, aprile 1988). “Nicholas Ray, insieme al fotografo Harry Streadling, ha dato vita ai colori più iperrealisti della storia del genere” (Federico Chiacchiari).

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2011: A Dangerous Method di David Cronemberg

     uscita italia: 30 settembre 2011     uscita usa: 23 novembre 2011    

Presentato a Venezia, non ha convinto appieno i critici:

“Godibile, ma per lo spazio della sua durata, in seguito nessuna traccia” (Fabrizia Centola), “Un’occasione perduta, anzi più occasioni perdute. Questa è la sensazione che rimane allo spettatore -e in particolare a una spettatrice “devota”- dopo la visione di quest’ultima fatica del regista canadese” (Paola Cavallini), “Pur non realizzando un film all’altezza dei suoi due precedenti History of violence e La promessa dell’assassino, Cronenberg riesce in A Dangerous Method ad aggirare con classe quasi tutte le trappole del film biografico e in particolare sui grandi protagonisti e sui temi della psicoanalisi” (Paolo D’Agostini), “…ottimi attori, cura formale perfino esagerata e curiosamente “fredda”, per uno come Cronenberg che ci ha abituati a immergere la pellicola nelle viscere e nel sangue. La Knightley è inguardabile, e inficia tutto il potenziale fascino del personaggio di Sabina Spielrein (Alberto Crespi), “Michael Fassbender e Viggo Mortensen sono perfetti, buona la partecipazione di Vincent Cassel, Keira Knightley è attrice che non riesce a convincerci” (Alessandra Kezich).

All’inizio vi è lo studio A Most Dangerous Method di John Kerr. A questo s’ispira Christopher Hampton per il suo testo teatrale The Talking Cure da cui trae la sceneggiatura per il film, film anomalo per un grande regista che ci ha sempre scosso con lavori spesso violenti e visionari, sempre altamente drammatici e provocatori. Questo A Dangerous Method si caratterizza invece per uno stile freddo e distaccato che penalizza il coinvolgimento dello spettatore che, pur interessato ai temi trattati, ha molta difficoltà nel provare un minimo di emozione e di partecipazione. Regia e sceneggiatura scelgono di centrare tutta la loro attenzione sui tre protagonisti senza alcun accenno (o quasi) al contesto in cui si trovano ad agire. Le difficoltà con gli altri, le opposizioni, le ostilità, le diffidenze di un’epoca maldisposta ad accettare le loro tesi non compaiono nel film che non appare così un affresco storico ma semplicemente l’analisi di un rapporto ambiguo e difficile tra maestro e allievo, tra medico e paziente: i tre sono Sigmund Freud, Carl Gustav Jung, Sabina Spielrein (1), ma potrebbero essere personaggi qualsiasi. Personaggi che assomigliano più a manichini parlanti che a persone vive e reali, chiusi in una loro torre d’avorio senza alcun rapporto con gli altri (“si muovono come esseri di carta, vuoti di senso e privi di spessore”, scrive giustamente Cinefile). Si aggiunga che i due temi (maestro e allievo, medico e paziente) non sempre appaiono ben amalgamati tra loro: a volte si ha l’impressione che ognuno viva per proprio conto, finendo quasi col disturbarsi l’un l’altro.

Anche tecnicamente il film non è entusiasmante: la fotografia è piatta, la colonna sonora poco rilevante.

Di grande levatura il cast.

Ma mentre Viggo Mertensen si conferma interprete duttile e talentuoso, Michael Fasbender dà ragione a quanti vedono in lui la star del futuro, Vincent Cassel offre una prestazione maiuscola, Keira Knightley non appare all’altezza del difficile ruolo affidatole (recitazione tutta esteriore, sopra le righe, per nulla persuasiva).

note

(1)     “La figura di Sabina Spielrein è ancora misconosciuta, ma la sua influenza nello sviluppo delle teorie psicanalitiche di Freud e Jung è tutt’altro che trascurabile. È stata una delle prime psicanaliste donne, oltre che pioniere nel suo campo specialistico, quello della psicologia infantile. Nel 1912 presentò alla Società Psicanalitica la sua teoria secondo cui l’istinto sessuale contiene sia una componente distruttiva sia una componente dinamica che tende alla trasformazione. Questa dissertazione prova che Sabina ha influenzato fortemente il pensiero di Jung e di Freud: dall’idea di Jung secondo cui gli archetipi del femminile sono presenti nell’uomo e gli archetipi del maschile sono presenti nella donna (principio di trasformazione), fino alla teoria freudiana della libido e dell’istinto di morte. Freud ha riconosciuto successivamente il suo debito intellettuale verso Sabina, mentre Jung, forse a causa della natura della loro relazione, non lo ha mai ammesso pubblicamente. Solo grazie alla scoperta delle cartelle cliniche di Sabina, del suo diario personale e della corrispondenza con Jung e Freud, ora pubblicata, è apparsa chiara la sua influenza sulle idee di entrambi” (Sandra Bardotti).

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2011: La piel que abito di Pedro Almodóvar

     uscita italia: 23 settembre 2011     uscita francia (cannes): 19 maggio 2011     uscita spagna: 2 settembre 2011

Alla sua uscita a Cannes ha suscitato non poche perplessità.

All’estero la critica si è divisa (El Pais: “E’ un film patetico e involontariamente comico”, The Guardian: “Un film forse non proprio magnifico, ma di una tale intensità…”, Hollywood Reporter: “Alle ossessioni di sempre – come il tradimento, l’ansia, la solitudine, l’identità sessuale, la morte – Almodovar aggiunge stavolta l’elemento fantascientifico con sfumature horror. Solo un talento come Almodovar può tenere insieme tutti questi elementi senza far saltare in aria un intero film”), in Italia è stata pressoché unanime nel giudizio negativo (la Repubblica: “…una specie di thriller estremo o di horror comico. Si ride molto, moltissimo, ma forse anche quando l’autore non l’aveva previsto”, Il Fatto Quotidiano: “…troppo barocco e postmoderno, compiaciuto e annoiato, questo thriller fantascientifico è tutta pelle e zero arrosto”, La Stampa: “…il gioco, pur imbastito con la consueta maestria, rimane fine a se stesso: intriga, ma non coinvolge”, Yahoo: “I dialoghi risultano troppo spesso prevedibili, un gioco verbale di inerzia che oscilla tra banalità e grottesco”, Comingsoon: “…il risultato non è all’altezza delle ambizioni dell’autore”, Cinematografo.it: “…il film è uno shar pei, Pedro tutto panza e niente sostanza”).

E’ consuetudine che ogni lavoro di Pedro Almodóvar provochi polemiche e discussioni. Il suo cinema così pieno d’inventiva, personale anticonformista e provocatorio, da molti è -giustamente- idolatrato, da alcuni è vituperato. Appartenendo al primo gruppo, salutiamo con gioia ogni sua nuova produzione, aspettandoci sempre qualcosa che ci sorprenda e ci scuota. Questa volta però le aspettative sono andate in parte deluse. Da encomio il suo tentativo di fare qualcosa di diverso: La pelle che abito è lontano anni luce da gioielli come Pepi Luci Bom e le altre ragazze del mucchio, La legge del desiderio, Donne sull’orlo di una crisi di nervi, Tutto su mia medre, Volver… Il problema è che La pelle che abito suscita nello spettatore noia più che emozione (1).

Certo non mancano le note caratteristiche del grottesco, del trasgressivo, dell’ambiguità sessuale nel rappresentare la vita con le sue assurdità (e il tutto espresso con i soliti colori vivissimi e la solita cura estetica) ma sono assenti sia l’ironia che il dramma. Il film (il suo diciottesimo) risulta stranamente lento e prolisso, a volte fastidioso, poco vivace nel racconto, eccessivamente freddo e trattenuto. Il cinema di Almodóvar è stato sempre surreale ma al contempo sempre verosimile, qui tutto appare invece poco plausibile… per non dire finto.

Il cast, come sempre nei lavori del regista spagnolo, è da encomio (ma è da sottolineare che la grande Marisa Paredes appare qui sacrificata in un ruolo di poco spessore). Ottima la colonna sonora di Alberto Iglesias.

“La magia del cinema di Pedro Almodovar -scrive Curzio Maltese- vive di paradossi e di uno in particolare: l’inverosimiglianza delle trame serve a esaltare l’assoluta autenticità dei sentimenti. In questo La pelle che abito fallisce troppe volte il bersaglio…”: concordo in pieno.

note

(1)     Alcuni sostengono che questo film non sia piaciuto solo perché non si accettano i cambiamenti: La pelle che abito con si apprezzerebbe perché troppo diverso dal «solito» Almodóvar. Assurdo: Amarcord è un pianeta diverso rispetto a La strada, Settembre lo è rispetto a Manhattan… ma sono sempre gioielli, da tutti riconosciuti come tali.

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2011: Carnage di Roman Polanski

     uscita italia: 16 settembre 2011     uscita francia: 7 dicembre 2011     uscita usa: 16 dicembre 2011

Uno dei fiori all’occhiello della recente Mostra Veneziana, un film applaudito incondizionatamente da addetti ai lavori e non.

Un grazie di cuore a Yasmina Reza e a Roman Polanski (autrice della commedia da cui il film è tratto lei, regista lui, ambedue autori della sceneggiatura) per averci riconciliato con il grande schermo (sempre più deludente -in molti casi- nelle ultime stagioni) e aver dimostrato che il cinema non è semplicemente un «giocattolone pirotecnico» atto a colpire solo epidermicamente lo spettatore. Carnage è un atto di fiducia nell’intelligenza del pubblico a cui offre 79 minuti di grande spettacolo, spettacolo basato esclusivamente sul talento: talento di chi ha scritto un testo di rara sensibilità, talento incommensurabile di chi interpreta personaggi rappresentativi di un’intero mondo, talento di chi dirige il tutto con una tale maestria da evidenziare ancora una volta d’essere presenti dinanzi a uno dei massimi registi della cinematografia contemporanea.

Una «carneficina» che mette in luce il malessere di una società che si ritiene superiore e altamente civilizzata ma che invece si rivela finta ipocrita fragile egoista cinica aggressiva… sostanzialmente disperata. Uno spaccato d’umanità in cui non è possibile non riconoscersi, uno specchio che riflette il nostro io più segreto, un esame di coscienza che potrebbe costituire una catarsi purificatrice per più di uno spettatore.

Tutto si svolge in una stanza (e in tempo reale), una stanza che rappresenta l’intero pianeta con le sue problematiche, le sue inquietudini, le sue tensioni, le sue contraddizioni, le sue nevrosi. Ognuno di noi si sente a casa propria. Siamo disturbati, infastiditi… vorremmo intervenire e dire la nostra, massimamente compartecipi a quanto avviene e a quanto si dice. Un miracolo di immedesimazione tra pubblico e spettacolo che solo un grande Maestro dell’arte cinematografica poteva realizzare.

Un film (grottesco e ironico, a volte divertente ma sempre amaro) che non consente un attimo di distrazione, dinamico e tagliente nel suo abbattere le false sovrastrutture della convivenza sociale e svelare così la vera essenza della natura umana.

Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly, Christoph Waltz sono i quattro magnifici protagonisti, impegnati in una vera lezione di recitazione che non sarà facilmente dimenticata.

Tripudio da parte della critica:

“Un vero gioiello” (La Stampa), “Applausi a scena aperta” (la Repubblica), “Ovazioni e risate” (Il Messaggero), “Divertente e feroce” (Il Riformista), “Esiste una rarissima categoria, alla quale possono iscriversi pochissimi titoli: quella dei film perfetti, magari con ambizioni circoscritte, ma riusciti al 100 per 100. Carnage è un film perfetto” (L’Unità), “…una grande prova di regia e di recitazione” (Il Corriere della Sera), “Polanski chiude tra quattro mura le fondamenta della società moderna e le mette in discussione mostrandone gli istinti primitivi” (Il Sole 24 Ore).

p.s.

L’Italia è il primo paese in assoluto ad accogliere nelle sale il film. Il resto del mondo lo vedrà tra novembre e dicembre (compresi gli Usa che ne avranno un’anteprima il 30 settembre in occasione dell’inaugurazione del New York Film Festival).

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2011: Terraferma di Emanuele Crialese

 uscita italia: 7 settembre 2011    

Ambientato nell’isola vulcanica di Linosa, delle Pelagie, nel canale di Sicilia, a 48 chilometri a Nord Est di Lampedusa, un film che fa onore a chi l’ha prodotto e a chi lo ha realizzato.

Vi era il sospetto che il film fosse stato premiato a Venezia per consolare il cinema italiano a digiuno di riconoscimenti da vario tempo o per le pressioni esercitate dalla Rai, qui in veste di produttrice. Va detto subito invece che Terraferma ha strameritato il premio della Giuria. Uno dei film più seri e profondi che la nostra cinematografia ci abbia offerto ultimamente, un potente affresco di una dramma attualissimo e insieme un sincero e partecipato ritratto di un’umanità mirabilmente delineata, con le sue ombre, i suoi dubbi, le sue fragilità, le sue paure, le sue diffidenze… i suoi slanci di nobiltà. Emanuele Crialese, di cui ricordiamo ancora il bellissimo Nuovomondo, non ha deluso le aspettative e ci ha regalato un prodotto visivamente splendido e dal contenuto encomiabile da tutti i punti di vista.

Un intero cast da plauso, dai protagonisti alla più umile delle comparse (cosa non usuale nel nostro cinema), arricchisce un film che coinvolge ed emoziona come pochi.

Ultimo merito (e non il meno importante) di Terraferma è di essere finalmente un film italiano che non ci fa vergognare d’essere Italiani, anzi…

Giusto l’entusiasmo della maggioranza della critica:

“…racconta gli sbarchi visti con occhi dei pescatori siciliani, che si ritrovano braccia avvinghiate alle loro barche, come proboscidi nere spuntate da un film dell’orrore (meravigliosa scena). Un film importante Terraferma anche se uno solo degli spettatori uscirà dalla sala guardando un immigrato in maniera diversa” (Il Sole 24 ore), “Crialese ha creato un dramma appassionante non solo su una società tradizionale in crisi e sul forte tema dell’immigrazione, ma anche sui singoli che si trovano ad affrontare scelte morali di carattere universale. Come sempre ha la capacità di lavorare in modo abile con un cast professionale ben amalgamato a un cast non professionale” (New York Times), “Una storia abilmente raccontata, che mescola tenerezza, commedia e tensioni di famiglia sullo sfondo di un problema politico molto serio” (Telegraph), “Crialese si muove… in un terreno insidioso e, mettendo in campo argomenti di scottante attualità, riesce sapientemente ad evitare le trappole del mero buonismo e del manifesto solidale. Terraferma risulta un’opera convincente e matura; uno sguardo ampio, lucido e partecipe su una realtà che ci appartiene, da qualsiasi «isola» essa provenga” (Cultframe.com), “Rigoroso nella forma e nell’esecuzione, un dramma poetico che risponde alle grandi domande sul mondo” (MyMovies), “Questo è Terraferma: il racconto di una famiglia di pescatori e di tutta un’isola – e insieme di un Paese intero, il nostro – che si trovano a scegliere tra la fedeltà alla propria coscienza e alla propria storia antica e la resa alla nuova volgarità che tutto riduce a frastuono televisivo” (L’Espresso).

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 uscita italia: 20 dicembre 1961     uscita usa: 5 ottobre 1961   

Compie 50 anni uno dei titoli più famosi dell’intera storia hollywoodiana, un mito che ancora perdura nel tempo.

Scrive Pino Farinotti: “Il film, nei decenni, è diventato un sempreverde. Anche se molti episodi e caratteri sono di maniera e scontati, qualche magia continua ad essere dispensata. A cominciare da Audrey Hepburn, nevrotica e insicura, da proteggere e scusare. Un personaggio certo datato, ma trasferibile decennio dopo decennio anche ai caratteri contemporanei, dove vale più che mai lo smarrimento e la ricerca di un’identità. C’è poi la canzone Moon River di Henry Mancini, diventata uno dei grandi temi abituali del cinema, sempreverde, appunto, e frequentatissimo. E poi Tiffany: impari, per esempio, che lì puoi comprare anche spendendo solo dieci dollari. Nessuna agenzia pubblicitaria, e nessun budget avrebbero potuto valere la “testimonial” Hepburn, davvero una delle attrici e dei personaggi più significativi del cinema e del secolo, capace, come forse nessuna, di dettare mode e comportamenti, e sogni. Il titolo, in cassetta o DVD, continua ad essere nelle classifiche dei noleggi, e non è davvero frequente per un film di quel periodo…”. Come non concordare?

Tratto dall’omonima novella di Truman Capote (1), il film sbancò i botteghini di tutto il mondo, grazie anche alla celebre Moon River. Tenerezza e ironia prodigiosamente miscelate in uno dei più famosi successi di un grande del cinema americano, quel Blake Edwards a cui dobbiamo tanti gioielli indimenticabili (basti pensare a Operazione terrore, I giorni del vino e delle rose, La pantera rosa, Uno sparo nel buio, La grande corsa, Hollywood Party, Victor Victoria…).

La Hepurn fasciata da un tubino nero (2) è oggi un mito più che mai (la sua immagine è ovunque riprodotta): non tramonta il suo fare moda e tendenza (3).

Dopo mezzo secolo il film continua a suscitare ammirazione ed apprezzamento: “B. Edwards è capace di sottigliezze di alta sofisticazione” (il Morandini), “Pur se frutto di un profondo addolcimento della storia originale, Colazione da Tiffany riesce a trovare una perfetta autonomia dal romanzo senza però tradirne la bellezza” (Matteo Contin), “La Hepburn è in grado di far innamorare qualunque spettatore” (Movieplayer), “Blake Edwards traduce la dura leggerezza di una novella di Truman Capote in favola sentimentale e fa della sua creatura letteraria un’icona indelebile della commedia sofisticata: se Colazione da Tiffany è Holly Golightly, Holly Golithly è un’Audrey Hepburn che diventa il film da guardare, una giostra che si regge sull’incantevole perno della sua protagonista femminile… Edwards consegna ai posteri un manifesto di “pesante” frivolezza a tratti memorabile” (Gli Spietati.it).

note

(1)     Molti i cambiamenti rispetto al libro. Da Wikipedia: “Il romanzo fu ampiamente modificato per dar spazio alle convenzioni cinematografiche del periodo. Il libro conteneva, ad esempio, parole che per il film vennero smorzate, il personaggio di Liz (Patricia Neal) fu completamente inventato. Mag Wildwood, la modella, verso metà del libro si trasferisce nell’appartamento di Holly, mentre nel film compare brevemente solo come ospite al party di Holly. L’allusione alla bisessualità di Holly, che nel libro è un elemento fondamentale, nel film viene rimossa per rendere il personaggio più adatto alla Hepburn. Il cambiamento che più disturbò Capote, comunque, fu quello che riguardò il finale. Il libro, infatti, non ha un lieto fine…”

(2)     L’abito da sera nero di Givenchy indossato da Audrey Hepburn è stato venduto all’asta nel 2006 per 467.200 sterline (oltre 687.000 €) e ora si trova al museo del costume di Madrid.

(3)     Ha scritto Marco Spagnoli: “Mezzo secolo fa usciva nei cinema una delle pietre miliari della storia della femminilità: Colazione da Tiffany. Si tratta di uno dei film più importanti per il cambiamento dell’immagine della donna sul grande schermo che ha rimediato a un oblio di quasi trent’anni. Le figure femminili al cinema sono state a lungo controllate e manipolate dai grandi censori, sostenuti dai partiti politici, dalle associazioni religiose e dalle leghe conservatrici. Colazione da Tiffany, insieme a un manipolo di altri film, ha di fatto segnato una rivoluzione culturale nella storia del cinema americano e letteralmente trasformato l’immagine della donna sul grande schermo.
Holly Golightly, protagonista del film di Blake Edwards e del romanzo di Truman Capote che l’ha ispirato, è stata infatti una delle prime ‘donne di Hollywood’ a vivere una sessualità distante dalla morale puritana che stava iniziando a franare nei primi anni Sessanta, quando il pubblico era alla ricerca della realtà e non più di soli ‘sogni’. Complici il fascino e l’eleganza innata di Audrey Hepburn, questo film è entrato nella storia e ha consacrato l’attrice a vera icona del nostro tempo capace di ispirare ogni donna”.

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     uscita italia: 5 ottobre 1979     uscita usa: 25 aprile 1979

Romantico e ironico, amaro e sentimentale… un vero e proprio cult.

Impreziosito dallo smagliante bianco e nero di Gordon Willis e dalla splendida celeberrima musica di George Gershwin, un film che non ci si stanca di ammirare, modernissimo e sempre godibilissimo.

Un film in cui arguzia e intelligenza si toccano con mano.

Un film su cui si è scritto tanto…

Movieplayer: “In Manhattan è presente in ogni aspetto sia l’Allen cineasta che l’Allen uomo; il suo sguardo alla città che non dorme mai è analitico ed affettuoso allo stesso tempo, il regista la sfiora e l’accarezza con tutti i mezzi che gli appartengono, le immagini cinematografiche, la conoscenza musicale e la scrittura”.

Il Morandini: “Dramma in cadenze leggere di commedia: la summa di Allen di cui è per molti critici e spettatori il film preferito, quello che resterà”.

Angela Campanella: “…ecco a voi, signore e signori, il capolavoro di Woody Allen e una delle pietre miliari di tutta la cinematografia mondiale”.

Florisa Marcone: “Con Manhattan ancora una volta s’impone con prepotenza la genialità inarrivabile del migliore Woody Allen, quello che magistralmente e come pochi altri sa fondere alla perfezione il registro drammatico con quello meno serio della commedia in una dirompente clamorosa leggerezza”.  
SinergyArtStudio: “Un delizioso film che fonde in maniera superba la magica atmosfera di una New York mai così suggestiva con una disincantata riflessione sulle piccole e grandi nevrosi quotidiane dell’epoca moderna”.

Maurizio Macchi: “Manhattan è un passo fondamentale nella filmografia di Allen… per il fatto di terminare quel processo di maturazione intrapreso già qualche anno prima dal regista. In Manhattan Allen riesce a conciliare alla perfezione la commedia romantica, la sua efficace e intraprendente ironia e il lato intellettuale dei suoi film”.

Fabio Fumagalli: “…in assoluto l’opera più matura di Allen”.

p.s.

Il film è il primo girato in formato anamorfico da Woody Allen e va ricordato anche per essere una delle prime folgoranti apparizioni di Sua Maestà Meryl.

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2011: Tutta colpa della musica di Ricky Tognazzi

 uscita italia: 9 settembre 2011 

Peccato. Il film delle occasioni mancate.

Poteva essere un pungente e arguto quadro di provincia, ma non lo è (abbiamo tutt’al più un bozzetto). Poteva essere un divertente affresco di tipologie umane, ma non lo è (quasi nessun personaggio è ben delineato e approfondito, e gli stereotipi non mancano). Poteva essere una delicata storia d’amore, ma non lo è (non suscita interesse né commozione). Poteva essere un tenero e garbato ritratto della terza età pronta a continuare a vivere, ma non lo è (troppa superficialità nella descrizione).

Un film scialbo e inconsistente, dalla sceneggiatura particolarmente piatta senza guizzi e senza brio (“le soluzioni narrative, tutte scontate e ai limiti del banale” scrive giustamente Francesca Fiorentino), con gag trite e del tutto inutili, con scene superflue e chiaramente riempitive. Si aggiunga un ritmo particolarmente lento che rischia più volte di generare noia.

Lascia a desiderare il cast. Attori notoriamente bravi ma che qui sembrano essere privi di qualsiasi guida: l’impressione è che sia stato chiesto loro di limitarsi a rifare se stessi.

Sembra incredibile che il film sia di un autore a cui va il merito di aver realizzato più di un film interessante (da Piccoli equivoci del 1989 a Canone inverso del 2000). Crisi personale o ennesimo sintomo della mancanza di idee dell’attuale cinema italiano?

Perplessità da parte della critica: “Senza trovare una forma originale, il cinema di Tognazzi sorprende poco e rassicura troppo, Tutta colpa della musica ha l’indubbio merito di mettere in scena un coro di uomini e donne che non si piangono addosso e si danno da fare” (MyMovies), “…il film di Tognazzi perde quasi subito l’appeal comico per assumere i toni di una divagazione, un tantino moraleggiante, sui classici stravizi degli scapestrati ex ragazzi di un tempo e sulle malinconie della ‘nuova’ vecchiaia” (Movieplayer), “La storia è lineare e non riserva grandi sorprese o colpi di scena, bravissimi gli interpreti, forse un po’ troppo uguali ai personaggi che hanno sempre interpretato” (FilmUp).

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